凋零危机来袭？！设计师们为何纷纷逃离纽约时装周？

Tom Ford与Tommy Hilfiger本来是纽约时装周的头号焦点，然而今年他们纷纷选择西岸的洛杉矶作为发表地点，纽约时装周的光芒真的衰退了吗？

西岸到处充满机会和及时行乐的氛围，远离拥挤且充满老气的纽约，拥有好莱坞名人加持的洛杉矶自然成为设计师发表作品的新天地。

这样板块移动的现象与时尚产业模式大幅改变脱不了关系，从Vêtements自己“抄袭”自己的服装到Burberry将男女装发表合而为一这样崭新的宣传策略，显示一向原则严谨的时尚界已经动摇，跳脱传统既定的模式，不但能让品牌获得潮流创造者的名声，也让他们能够在这个产业中占有主导的地位。

跟2016年相比，今年纽约时装周少了11场秀，然而老问题还是存在，就算少了11场，2017年秋冬纽约时装周依旧在短短的一周内塞下了218场发表会，这还不包括其他脱离时装周自行举办的发表活动，像是哈林（Harlem）时装周和小精品店（Small Boutique）时装周。

纽约时装周的规模究竟有多大？我们从经济的角度来看，根据一项美国国会统计的经济报告，每年二月和九月两次时装周，能为一个纽约市带来9亿美元的收入，这样的经济效益远大于美国网球公开赛的7亿美元、超级杯的5亿美元以及纽约市马拉松的3.4亿美元。

尽管纽约时装周是个能为纽约市带来巨大经济效益的金鸡母，但由于网络与智能手机缩短了资讯流通的时间，也打破了距离的限制，使得时装周／服装秀存在的理由与功能已经改变，参与时装周的族群也有所变化。

滚雪球效应 我们目前所知的纽约时装周，是源自于第二次世界大战期间发起的一项爱国举动，希望能借此让时尚杂志编辑把关注的重心从法国设计师转移到美国设计师身上。当时在Pierre和Plaza旅馆举行的称之为“媒体周”活动大受欢迎，也让像Bill Blass这些设计师成为家喻户晓的人物。

随着越来越多设计师投身时尚产业，他们也开始在城市里的各个俱乐部、餐厅扮起他们自己的媒体周活动，后来到了1993年时，美国时尚设计师协会（Council of Fashion Designers of America，CFDA）决定将这些服装秀整合到单一场地Bryant Park（之后改到Lincoln Center，现在多数服装秀在Clarkson Square和Madison Square Garden举行）。

Frank Zambrelli表示，“这是个很有效率展示新系列的方式，身为买手或编辑，花个4到5天，一天安排7场秀，你可以看到你要看的一切，一切都相当舒服惬意。”

百年前Coco Chanel就开始向顾客和少数媒体编辑展示她所设计的新系列，时间来到1990年代至2000年代早期，这段时间所举办的服装秀，其实并没有改变太多，两者基本上就是个商展，消费者得等6个月才能看到这些服装造型出现在杂志和精品店中。

时尚顾问Karen Harvey表示，“当时举办服装秀其实是要让业界人士提早预览，主要目的是要让Neiman Marcus、Barney’s、Selfridges和Harrods这些精品百货公司的时尚主管们对下一季的设计感到兴奋，这样他们才能让底下的买手有所准备。”

然而，H&M、Zara和Topshop这些快速时尚品牌加入了战局，开始推出便宜版本的伸展台造型单品，等到高端品牌的服装系列在门市上架时，它们的影响力已经消逝了，当然还有科技的影响，时尚部落客在秀后立刻发出秀评和照片，为了重新取回掌控权，品牌和设计师们开始在他们的社群媒体平台上线上直播服装秀，把这一度是极少数族群才能参加的活动，开放让全球参与。时尚品牌现在可以直接对消费者沟通，跳过杂志、百货公司，甚至是部落客。换言之，除了展示服装的这项功能之外，时装周的其他一切都已经改变。

创新模式 我们开始看到设计师们采取即看即买策略，跳脱传统提前6个月的时间表，新系列在发表后就立刻可在门市中购得。包括Burberry、Tom Ford、Rebecca Minkoff、Tommy Hilfiger、Vêtements和Thakoon都采取了即看即买的这个模式。

但并非所有设计师都有办法这么做，IMG时尚活动董事总经理Cat Bennett指出，即看即买这样的新模式会增加设计师的负担，因为他们必须找出他们有信心会热卖的服装，然后进行制作。根据传统的做法，买手会根据一定数量的样品下订单，事先付清所有服装制作的费用，这些单品未来是否能够热卖，是买手所代表的零售端必须承担的风险；现在采行的即看即买模式，让规模较小或较新的品牌更难以与大品牌竞争，毕竟他们要付出的成本和所承担的风险又更大了。

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受到科技影响，品牌直接面对消费者的趋势已经不可逆，这带来的影响是，品牌除了时装秀本身得表现良好之外，还得做许多额外的事情来吸引消费者注目。因此原先只有买家跟编辑参与的时装秀现在充满了各界名人加持，在秀场外还有即看即买、快闪店或是网络分享等等活动。

放眼目前的时尚产业，服装秀被重新调整为消费者至上，坐在秀场前排看秀的嘉宾，除了买手、编辑，还有消费者。这一切调整就是为了刺激消费者购买服装，有时那些都是已经生产好的存货。Frank Zambrelli表示，“服装秀的好处依旧是让你拥有立即的扩散效应，一件单品，可能是一个配件或一双鞋或一件洋装，会持续在社群媒体上发酵好几天，若就宣传活动和消费者互动来说，这是个难以置信的资产。”

时尚品牌将更多的创意放入服装秀的娱乐层面，以全新做法将音乐和观众互动两者结合。像Rebecca Minkoff在她位于纽约Soho苏活区的旗舰店外展示新系列，活动变成了一场街头派对，与会者随着DJ播放的音乐舞动，这场服装秀也在品牌的官网上直播，人们可以在店上和线上采购新服饰；Tommy Hilfiger去年9月首度登场的即看即买大秀，在曼哈顿南街海港（South Street Seaport）打造了一个有如举办嘉年华会般的Tommy码头，里面有摩天轮、美食摊位，还有唱片行。

Karen Harvey表示，“这不光只是‘即看即买’，他们创造了一场爆炸性的活动，他们在思考如何能直接与消费者互动，用一种更有趣的方式来贩售产品。”

Rebecca Minkoff和Tommy Hilfiger这两个品牌今年都从纽约时装周出走，将他们的派对想法带到了洛杉矶，Rebecca Minkoff在Grove购物中心外举行户外服装秀；而Tommy Hilfiger则是在威尼斯海滩举行他的游乐园盛会；至于Opening Ceremony则是避开了纽约时装周，选择与纽约市芭蕾舞团合作，在2月底时办秀。

时尚品牌经营变得多元，加上服装秀本身“商展”的功能逐渐消失，值得一问的问题就是：“我们真的还需要时装周吗？”

对Karen Harvey来说，这些都是时装周未来发展必然的结果，也就是说，不再像从前只要在某一段时间到某一个地方就能一次看尽的体验，“时装周还重要吗？我觉得我们都心知肚明，从过去的经验来看，它已经那么重要了。”

带头改变 现在设计师的品牌经营选择变得非常多元，Cat Bennett表示：“设计师要怎么呈现作品给观众？要呈现给谁？这都已经变成设计师的个人意愿来主导。有些人可能比较喜欢每个月定期分享数位内容，有些人喜欢开快闪店，有些人喜欢结合音乐与艺术做跨界呈现，大家的想法都不同。”

Veronica Kerzner主导的Style Fashion Week也是一种新模式，她希望能从时装周的根本做起，去除行不通的部分，强化原本可行的元素。原本纽约时装周的参加者必须要一整天一直在不同的展厅间穿梭，但Style Fashion Week让多位设计师一个接一个，毫不间断地对同一群观众展示他们的新系列，Veronica Kerzner说：“这个想法是要让设计师们能共同合作，分享他们的人脉资源。设计师不论是要与买家碰面，或贩售给消费者，或只是想获得品牌能见度，我们都确信我们兼顾了这所有的面向，因此他们能够达到他们的目标。但更重要的是，它所采取的作法是相当有趣的。”

对Veronica Kerzner而言，这意味着打造一场将消费者需求和产业需求都纳入考量的活动，在她主办的活动里，在主舞台场馆外区分出两个不同的区域，一区是让买手细看商品和与编辑互动的区域，另一区是让一般大众在秀与秀之间能够休息放松的区域。参加者通常会逗留好几个小时或甚至是一天的时间，因此提供舒服的环境氛围是很重要的，他们之前还请到了小提琴家Miri Ben-Ari在服装秀的休息空档现场演奏。

这些创新的经营模式虽然带来许多冲击，但传统的发表会模式，依旧在时尚界里拥有崇高的地位。Cat Bennett每天都会与从小就梦想着自己第一场服装秀的设计师们碰面，服装秀是他们能像Coco Chanel、Yves Saint Laurent或服装史上其他伟大设计师一样能名留千史的机会，但这些新锐设计师想要的，往往是不切实际的童话：一流的场地、明亮的灯光、挤满时尚界具影响力成员的一排排座位、走上舞台接受掌声的机会。

传统的时装周会因此没落消失吗？Cat Bennett认为还不会这么快，“尽管对大部分的人来说，从无数的层面来看它已经全然失灵，但我们看得出来服装秀还不至于寿终正寝，当你坐在黑暗中，然后灯光亮起，模特儿一个个走出，那个时刻依旧保有它的神奇魔力，你还是会沈浸在那个特别的感受中，我不认为那样的感受是可以被取代的。”就像是一种情感的魔法一般，人们还是会期待时装秀给人带来的冲击与喜悦，在短时间之内，这是很难改变的。

资料来源：Fast Company、Medium、Tommy Hilfiger、Rebecca Minkoff